À propos de la
Master Class
"Théâtre au Musée"
de Valéry Rybakov
Master Class
"Théâtre au Musée"
de Valéry Rybakov
"Théâtre au Musée", est un atelier d'art dramatique in situ: dans l'espace même de l'exposition des œuvres d'art (peinture, sculpture, photographie), les participants se servent de celles-ci comme de point de départ pour imaginer des saynètes.
Posture, expression, accoutrement des personnages, paysage, décors et atmosphère sont autant d'éléments à l'infini pour interpréter une œuvre d'art.
Les sessions se déroulent sur un ou plusieurs jours et aboutissent à un spectacle ou une restitution de travail.
Cette approche théâtrale de la contemplation des œuvres, donne une dimension unique à la visite et à la découverte de l'espace d'exposition.
Posture, expression, accoutrement des personnages, paysage, décors et atmosphère sont autant d'éléments à l'infini pour interpréter une œuvre d'art.
Les sessions se déroulent sur un ou plusieurs jours et aboutissent à un spectacle ou une restitution de travail.
Cette approche théâtrale de la contemplation des œuvres, donne une dimension unique à la visite et à la découverte de l'espace d'exposition.
Il existe plusieurs façons de « déguster » les œuvres. Une façon passive en s'arrêtant devant les divers objets et en les scrutant. Et une façon interactive en entrant en communication avec eux. Pour ce faire, le théâtre, comme art fédérateur par excellence, impliquant la danse, le chant, la musique, la poésie, est un formidable outil.
Stanislavski, grand réformateur du théâtre du XXe siècle, l'avait bien compris. Il a inventé un exercice, devenu l'un des piliers de l'école théâtrale russe, à destination des comédiens et metteurs en scène, en lien avec les œuvres d'art.
Sculpture, peinture abstraite, paysages, objets d'art, photographies, portraits, natures-mortes, tableaux figuratifs – tout est intéressant pour nous. Par exemple, un tableau figuratif, c'est le moment entre le passé et le futur, l'évocation de la sensation du mouvement. Le présent est court. Le futur arrive tout de suite, ce qui donne la possibilité d'interpréter la peinture. Cette activité mobilise et organise bien l'imagination des participants.
L'étude de la peinture apporte aux participants la notion de la mise en scène, le rôle de la composition, la beauté de l'atmosphère. À travers le travail avec la peinture, les participants vont comprendre ce que veut dire être nourri par les impressions de la vie, être bouleversé.
Stanislavski, grand réformateur du théâtre du XXe siècle, l'avait bien compris. Il a inventé un exercice, devenu l'un des piliers de l'école théâtrale russe, à destination des comédiens et metteurs en scène, en lien avec les œuvres d'art.
Sculpture, peinture abstraite, paysages, objets d'art, photographies, portraits, natures-mortes, tableaux figuratifs – tout est intéressant pour nous. Par exemple, un tableau figuratif, c'est le moment entre le passé et le futur, l'évocation de la sensation du mouvement. Le présent est court. Le futur arrive tout de suite, ce qui donne la possibilité d'interpréter la peinture. Cette activité mobilise et organise bien l'imagination des participants.
L'étude de la peinture apporte aux participants la notion de la mise en scène, le rôle de la composition, la beauté de l'atmosphère. À travers le travail avec la peinture, les participants vont comprendre ce que veut dire être nourri par les impressions de la vie, être bouleversé.
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Dans un scénario vous avez des dialogues et devez imaginer les personnages puis le décor. Dans un tableau c'est le contraire: vous avez l'ambiance, les lumières, les costumes… Il ne manque que les paroles.
La méthode « Théâtre au Musée » d'après l'exercice inventé par Stanislavski, étant universelle peut s'adresser à tous. Car cette plongée au cœur de la création artistique nous ramène à notre propre vie, notre besoin d'expression. Une expérience unique qui enrichit la perception, augmente l'estime de soi et la confiance, éveille la sensibilité artistique endormie par le quotidien.
Valéry Rybakov a développé et poursuivi cet exercice dans des musées des Beaux-Arts en Russie, Pays-Bas et en France avec des citoyens de tous horizons et de tous âges, sous forme de rencontres hebdomadaires, de stages, aboutissant à un spectacle ou une restitution de travail.
Partout la même constatation, quels que soient l'âge et le milieu social : ce jeu de l'esprit et du corps est passionnant. Il modifie radicalement la vision que les gens ont des musées. Il donne envie de pousser la porte à nouveau pour se laisser appeler par une nouvelle œuvre ou découvrir d'autres sens cachés à celles qu'ils connaissaient déjà.
Valéry Rybakov a développé et poursuivi cet exercice dans des musées des Beaux-Arts en Russie, Pays-Bas et en France avec des citoyens de tous horizons et de tous âges, sous forme de rencontres hebdomadaires, de stages, aboutissant à un spectacle ou une restitution de travail.
Partout la même constatation, quels que soient l'âge et le milieu social : ce jeu de l'esprit et du corps est passionnant. Il modifie radicalement la vision que les gens ont des musées. Il donne envie de pousser la porte à nouveau pour se laisser appeler par une nouvelle œuvre ou découvrir d'autres sens cachés à celles qu'ils connaissaient déjà.
Constantin Stanislavski
La Master Class décrite par
un participant :
un participant :
L'expérience est d'établir une relation intime avec l'oeuvre en comprenant physiquement l'attitude du personnage représenté. Nous vivons sa posture, étudions son centre d'équilibre et nous nous déplaçons avec lui dans l'espace et éprouvons ses émotions.
De là s'engage un dialogue avec l'ensemble et une connexion s'établit avec la peinture, la sculpture, la photographie, mais aussi avec le peintre, le sculpteur, le photographe... et le spectateur. Une interrelation s'établit entre les protagonistes et un voyage en sensations s'effectue alors dans un espace multidimensionnel. Nous commençons à percevoir l'envers du tableau, mais aussi l'espace au-delà qui prend une densité et éclaire la dramaturgie en nous renseignant sur la volonté du personnage.
C'est un moyen vivant et vibrant de comprendre et d'aborder l'intimité du processus créatif et nous sommes parfois surpris d'entendre des personnes parler d'une oeuvre qu'ils ne connaissent pas, d'une manière extrêmement subjective et pourtant étonnamment fidèle aux intentions du créateur.
De là s'engage un dialogue avec l'ensemble et une connexion s'établit avec la peinture, la sculpture, la photographie, mais aussi avec le peintre, le sculpteur, le photographe... et le spectateur. Une interrelation s'établit entre les protagonistes et un voyage en sensations s'effectue alors dans un espace multidimensionnel. Nous commençons à percevoir l'envers du tableau, mais aussi l'espace au-delà qui prend une densité et éclaire la dramaturgie en nous renseignant sur la volonté du personnage.
C'est un moyen vivant et vibrant de comprendre et d'aborder l'intimité du processus créatif et nous sommes parfois surpris d'entendre des personnes parler d'une oeuvre qu'ils ne connaissent pas, d'une manière extrêmement subjective et pourtant étonnamment fidèle aux intentions du créateur.
Public concerné :
Public et employés du lieu de l'exposition (musée, galeries d'art, fondations, etc...), corporatifs, mais également professionnels du spectacle, acteurs, danseurs, circassiens, artistes plasticiens - qu'ils soient professionnels, étudiants ou amateurs.
Déroulement type :
> Présentation de la méthode.
> Découverte de l'espace et des oeuvres d'art.
> Choix d'une oeuvre par chaque participant.
> Partage de l'expérience de la découverte et du choix avec le groupe.
> Recherches personnelles sur l'auteur, l'époque et les personnages de l'oeuvre choisie.
> Enseignement des éléments de base de l'art scénique.
> Exercices pratiques.
> Préparation individuelle du scénario (ou texte).
> Travail de mise-en-scène avec les autres membres participants.
> Restitution finale des études aux groupe de participants et/ou au public.
> Débrief.
Public et employés du lieu de l'exposition (musée, galeries d'art, fondations, etc...), corporatifs, mais également professionnels du spectacle, acteurs, danseurs, circassiens, artistes plasticiens - qu'ils soient professionnels, étudiants ou amateurs.
Déroulement type :
> Présentation de la méthode.
> Découverte de l'espace et des oeuvres d'art.
> Choix d'une oeuvre par chaque participant.
> Partage de l'expérience de la découverte et du choix avec le groupe.
> Recherches personnelles sur l'auteur, l'époque et les personnages de l'oeuvre choisie.
> Enseignement des éléments de base de l'art scénique.
> Exercices pratiques.
> Préparation individuelle du scénario (ou texte).
> Travail de mise-en-scène avec les autres membres participants.
> Restitution finale des études aux groupe de participants et/ou au public.
> Débrief.
